Uno se puede acercar a Antonio López desde varios prismas. Si se le hace caso a los entendidos, el artista es uno de los máximos exponentes pictóricos actuales en nuestro país. Si uno opta por el lema “cuánto más caro, mejor”, ha de saber que se trata del pintor español (básicamente pintor, pero no desdeña otras disciplinas) más cotizado de entre los vivos. Si hay otros motivos, seguro que el recorrido de la exposición los corroborarán. A título personal, sólo con examinar los paisajes urbanos de Madrid, alguno muy cerca de donde vivo, vale la pena.

El Bellas Artes bilbaíno ofrece una colección calcada a la que le precedió en el Reina Sofía madrileño (que visitaron unas 315.000 personas): 130 obras de todas sus épocas, bocetos preparatorios, incursiones en la escultura… la retrospectiva plasma de una forma brillante las etapas creativas de Antonio López, desde sus comienzos en Tomelloso, hasta sus últimas obras en Madrid, intensamente marcadas por el realismo y su propio perfeccionismo. Terraza de Lucio, Madrid visto desde Torres Blancas, material sobre La mujer de Coslada, Atocha, Nevera Nueva y Hombre y Mujer son obras, entre otras, que se pueden contemplar en este itinerario.

Esta entrada se puede considerar como un aviso urgente, la muestra desaparece el próximo 29 de enero y no se ha previsto una prórroga ni en Bilbao ni en otro lugar. Dos recomendaciones. Obviar al personal del Museo (por aquello de no acabar en algún calabozo después de un ataque de ira) y solicitar una audioguía, disponibles a precios módicos.

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Eva se estrenó a finales de octubre y su recaudación en taquilla ha sido más que discreta. Quizá ahora, con sus flamantes 12 nominaciones a los Goyas, consiga interesar más al público español. Sería una gran noticia porque se trata de una película de una extraña belleza formal y un guión original muy recomendable. Uno de los pensamientos que te vienen a la cabeza al verla es que no parece una película española. Y es que, a pesar de lo mucho que ha evolucionado el cine patrio, al ver los efectos especiales relacionados con los robots, la elección del paisaje nevado y helador en el que se desarrolla y sus espectaculares panorámicas, rememoras películas muy alejadas de las hechas dentro de nuestras fronteras. Te acuerdas de Blade Runner, de El Resplandor o de Minority Report.

De sus doce nominaciones a los Goya, caben destacar la de los actores Daniel Brühl al mejor actor protagonista y Lluis Homar al mejor actor de reparto. Este último espectacular en su papel de androide con aspecto humano encargado del cuidado de la casa. También son merecidas la de Enrique Maíllo, al mejor director novel y la nominación a los mejores efectos especiales, que son sencillamente increíbles. Personalmente echo de menos una nominación a Marta Etura, siempre espectacular y que, a mi juicio, en su aterradora capacidad para transmitir sentimientos sin emitir palabra, le saca bastante ventaja a su nominado compañero Daniel Brühl. Y por supuesto, también, es injusta la exclusión de Claudia Vega, la joven protagonista de 10 años que encarna a Eva. Esta ausencia se debe a la recién norma impuesta en los Goya de no nominar a niños menores de 16 años.

Crucemos los dedos para que esta lluvia de nominaciones a Eva sirva para su reposición en los cines. Y para aquellos que no la hayáis visto, aquí os resumo el argumento, a ver si contribuyo a picaros la curiosidad y a que vayáis a verla.

Eva es una película de ciencia ficción que cuenta la historia de un joven y lúcido ingeniero, Alex (Daniel Brühl), cuya especialidad es el desarrollo de robots. Está ambientada en un futuro no muy lejano, en la que los androides, réplicas exactas de los humanos, realizan todo tipo de tareas: son mayordomos, secretarias, señoras de la limpieza…Alex recibe el encargo de finalizar un androide muy especial: un niño. Para realizarlo, vuelve a la casa familiar y se reencuentra con su hermano, la novia de éste y su hija, Eva, una encantadora niña de 10 años.

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• Mientras duermes
  18/01/20120
   

Dice la leyenda, o cuenta el propio grupo, que los reyes mutantes se han colado en el estudio de grabación y se han llevado prestada la primera pista, que además le da nombre al trabajo. Para ello se habrían metido disimuladamente en los estudios Producciones Peligrosas, que es el lugar donde actualmente se terminan de mezclar los temas que comprenderán el disco. Para saber cómo sonará, simplemente habrá que esperar unas horas…

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Drive fue una de las sensaciones de la última edición del Festival de Cannes y no ha parado de recibir halagos desde su estreno por ese regreso al espíritu del thriller setentero, a una secuencias de acción perfectamente planificadas y ejecutadas y a un personaje silencioso, un samurái al volante capaz de cualquier sacrificio por lo que él considera una causa justa.

Puestos a encontrarle defectos a un largometraje perfectamente equilibrado entre la actitud estoica del protagonista y los chispazos violentos que salpican la historia, habrá que rastrear en lo que apuntaba al principio: esa sensación de que todo está perfectamente medido para provocar una determinada reacción en el público, de que más que una película hecha desde la pasión y el corazón lo está desde el cerebro. Algo que, en cualquier caso, no invalidaría en absoluto una propuesta más que atractiva en la que destaca casi cualquiera de sus elementos por separado, desde una banda sonora perfecta en la que aparecen Kavinsky o Collegue hasta su concepción enmarañada e industrial de la ciudad de Los Angeles, protagonista de la película en la misma medida que cualquiera de sus actores.

Sobre el reparto, Carey Mulligan vuelve a confirmar todo lo bueno que ya había dejado en trabajos como An Education o Nunca me abandones, Bryan Cranston o Albert Brooks cumplen y a Ryan Gosling, protagonista indiscutible, el chico con el escorpión bordado en la cazadora, le toca esta vez bailar con la menos agraciada. Porque pese a que el personaje con aspiraciones icónicas al que interpreta cuenta con enormes posibilidades, lo extremo de su planteamiento, su actitud exagerada a lo largo del metraje, hace casi naufragar todo el largometraje. Ese especialista de cine/atracador experto en conducción con un rígido sentido del honor tiene algo que no encaja. Afortunadamente, la solidez del resto de argumentos que Winding Refn pone sobre la mesa nos hacen olvidar (casi) cualquiera de estas estridencias en un filme modélico en la forma y, por qué no, en el fondo.

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Michel Hazanavicius se la jugado con The Artist y el resultado no puede haber sido más satisfactorio. Olvidaos de explosiones y persecuciones, de tramas pirotécnicas y grandes estrellas luciendo palmito. Olvidaos incluso de esos diálogos que en demasiadas ocasiones no aportan nada a lo que vemos en la pantalla.

La pirueta del realizador galo es doble, o triple, y está plagada, además, de gozosos tirabuzones. Lo que vemos en The Artist es una película como la que el público podría haber visto en los años 20, con los códigos cinematográficos que todos conocemos, esto es, desde los rótulos que suplen los diálogos hablados hasta la medida sobreactuación de unos intérpretes que tienen únicamente su cuerpo para moldear sus personajes. También en el argumento recurre a los arquetipos que surgieron entonces y que aún son los elementos más precisos para entender aquella época. Su protagonista, George Valentin, es una estrella del cine mudo, una especie de Douglas Fairbanks con un enorme éxito que ve la aparición del sonoro como una extravagancia con poco futuro que apenas le provoca algún mal sueño. Peppy Miller, mientras, es una de esas ‘flappers’ de los relatos de Scott Fitzgerlad que pondrá todo su empeño para alcanzar su sueño de convertirse en una gran actriz.

Una historia de ascenso y caída, de vidas truncadas y rehechas de nuevo, en la que la pretendida artificiosidad se convierte en asombrosa realidad para hacernos reír y casi llorar con el destino al que se ve abocado su protagonista. En Valentin están todos esos actores a los que la aparición del cine sonoro mandó al ostracismo, verdaderos “artistas” a las que su voz o su dicción condenaron a un repentino apagón de su éxito. Estrellas como la Gloria Swanson que se paseaba por el Sunset Boulevard de Wilder y que se negaron a asumir su nueva realidad.

The Artist es una comedia de esas que la gente llama deliciosa, dotada de un increíble ritmo pese a los voluntarios lastres con los que sale a escena y con geniales secuencias en las que la necesidad se convierte en la más bella de las virtudes (los dos protagonistas bailando juntos pero separados por una pieza del decorado, Peppy fantaseando con el impecable frac del actor…) No importan los premios que pueda cosechar en los próximos meses. Su premio es existir y compartir con los espectadores todo el amor por el cine que traspiran todos y cada uno de sus fotogramas.

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A priori, el planteamiento resulta la mar de interesante y nuevo en algunos aspectos. La historia de un futuro con ricos cada vez más ricos y pobres cada vez más pobres es algo tan antiguo como el propio cine. ¡Ah! Y de paso, tan real como la vida misma que cada día nos sacude con más fuerza (pasados los años, quizá alguien sitúe esta película como resultado de un contexto de crisis global, corrupción total y deriva moral de una banda de ambiciosos cuya codicia ahora pagamos los pobres curritos) … bueno, que me estoy yendo del asunto. Como decía, el argumento de la película no está nada mal: en lugar de atesorar dinero, la auténtica moneda de cambio en el futuro será el tiempo. Así, un billete de autobús cuesta una hora de tu vida; el sueldo, lo pagan en tiempo; una comida normalita cuesta media hora; un coche de lujo vale 50 años; y los pobres van corriendo a todas partes para no perder tiempo mientras que los ricos caminan como movidos por la brisa. Y es así porque todo el mundo vive hasta los 25 años sin que su contador vital se ponga en marcha.

Las personas tienen 25 años mientras existan pero nunca envejecen. A partir de esa edad, la vida gira en acumular tiempo para seguir respirando. La high class vive en su propio mundo de siglos e incluso eones y opulencia mientras que el pueblo llano sobrevive en guetos en los que se pasa el día de media hora en media hora y al borde de la muerte constantemente. He aquí que nuestro personaje, un chico del gueto, se encuentra con un montón de siglos de repente (no voy a desvelaros cómo, ¡pero, por favor!) y decide, tras una tragedia vital, reventar el sistema que ha creado tales diferencias. Su compañera en el asunto es la típica pobre niña rica-rebeldeporqueelmundomehahechoasí-de padre-malo-malísimo-riquísimo-roba tiempo a los pobres.

Y tras un comienzo así, la historia pasa de puntillas sobre un planteamiento tan potente para dejarnos con la sensación de estar viendo Robin Hood o Bonnie and Clyde…es decir, de nuevo una historia ya contada.

Quizá sea porque los protagonistas no son actores con el suficiente peso específico, quizá sea porque Gattaca es una película casi de culto y esperábamos lo mismo del nuevo trabajo de Andrew Niccol. La cosa es que una sale del cine con la sensación de no haber visto nada.

Si la cosa funciona, la película está preparada para secuela y, lo que creo que será más interesante, incluso precuela. En fin, lo que viene a ser una pérdida de tiempo.

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• RKO – Mixtape
  15/12/20110
   

Dicho rápidamente, Margin Call es una película intensa y adictiva que, apoyada en algunas grandes interpretaciones y dos aún más brillantes (Kevin Spacey y Jeremy Irons) narra una historia que nos suena a todos, la de una compañía financiera cuya mezcla de ambición, cobardía y egoísmo, cocinada durante años, desencadenó una de las mayores crisis económicas de la historia.

La acción comienza en una sala repleta de jóvenes brokers (o lo que sean) que manejan el mundo, puede que sin conocer hasta qué punto lo hacen, a través de sus pantallas llenas de indicadores y con interfaces que ya de por sí dan mal rollo. Con en todas partes cuecen habas, las primeras imágenes muestran algo habitual estos días: despidos, ajustes y caras de miedo, incomprensión y furia. Uno de los invitados a irse decide complicarle la vida (o no, según se miré) al joven interpretado por Zachary Quinto, le da un USB y le pide que continúe con un trabajo con el que estaba. A partir de ahí, el sumidero de la codicia decide atrancarse y no tragar más. Total, para qué preocuparse por los que pierden si a menudo, los arruinados son personajes anónimos.

En una breve lectura posterior al film, resulta sorprendente como una temática a priori tan rocosa, por no decir maloliente, puede pegar al espectador a la butaca de esa manera. Parte de culpa la tendrá el guión, claro, algo enrevesado cuando los tecnicismos vuelan a su aire. Otra parte, más grande, proviene de los actores. Ninguna de las interpretaciones principales, y son varias, desentona en un conjunto liderado por los nombres ya mencionados y acompañados a la perfección por gente como Paul BEttany, Seth Badgley, Simon Baker, Demi Moore o Stanley Tucci. Seguro que existen más factores, pero cuando digo breve, es breve.

A veces, y sólo a veces, la calificación exhibida en IMDB para una película coincide con la propia, macerada ésta durante unos días tras la visita al cine. 7,2, dice, nota media de las aportaciones de casi 8.000 personas. Se acerca…

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Dirigida por Roman Polanski y basada en la obra de teatro de Yasmina Reza, Un Dios Salvaje es un drama en el que te da la risa ante la visión de cuatro adultos patéticos o una comedia sobre las miserias del ser humano. La mejor baza de la película es, sin duda, el confrontar a cuatro adultos con personalidades muy distintas y hacerles sentir atrapados y sin salida ante un problema menor entre menores. Y poner, para interpretarlos, a cuatro grandes actores como Kate Winslet, Jodie Foster, John C. Reilly y Christoph Waltz. A esto se suman situaciones divertidas provocadas por los mismos personajes que dan como resultado otras aún más inverosímiles.

Una de las cosas que pensé nada más salir del cine es si, dependiendo del tipo de persona que seas, justificarás la conducta de uno u otro de los personajes. Aunque es difícil que ninguno de ellos resulte simpático, a pesar de que, en el fondo y con un poquito de miedo, todo el mundo (si es sincero) reconoce que podría llegar a tener alguna reacción parecida en una situación estresante.

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• Cyrus
  22/11/20110
   

La película habla de la segregación racial, la ignorancia y el racismo. De las encorsetadas relaciones sociales y la estrechez de libertad individual, definida por el color de la piel y el estatus. De la valentía de luchar contra la injusticia y las barreras sociales.

Dirigida por Tate Taylor (¿alguien sabe quién es?) y basada en la primera novela de Kathryn Stockett, la película asegura su autenticidad al narrar una historia sobre una sociedad que los dos vivieron en Jackson (Missisipi). Por lo visto, el director y la escritora se conocen desde pequeños y crecieron envueltos en ese ambiente, criados por mujeres negras que les hacían reír, les daban de comer y les acunaban, pero que tenían que comer solas y utilizar un retrete distinto situado fuera de la casa, para evitar posibles contagios, pues todo el mundo sabe que los negros tienen enfermedades mortales para los blancos.

Es una película fácil de ver, donde los buenos son muy buenos y los malos, de manual. Con un argumento entretenido, con personajes entrañables magníficamente interpretados, con toques irónicos y con situaciones que te llevan a la carcajada o emocionan. Una película que ves con la tranquilidad de saber que la justicia aparecerá y los golpes y humillaciones serán devueltos.

Si no fuera porque todas las reseñas que he leído aseguran que es la película sorpresa del año y que el libro se hizo popular gracias al boca a boca (lo cual tiene mucho mérito ya que fue rechazado por 50 editoriales antes de publicarse), pensaría que es un producto de Hollywood bien pensado, en el que se han añadido todos los ingredientes para triunfar. Lo digo porque tiene algo de esas míticas películas costumbristas ganadoras de Óscars cuya corrección y éxito se ven empañadas por la sospecha de estar un tanto prefabricadas para triunfar.

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Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio se estrenó en España el pasado 28 de octubre y con la firma de Steven Spielberg y Peter Jackson el éxito estaba prácticamente asegurado. No en vano, tras dos semanas desde su estreno mantiene el primer puesto en la taquilla española.

En cuanto a la estructura del largometraje, los 109 minutos de duración podrían dividirse en dos partes bien diferenciadas, aunque no necesariamente de la misma longitud.

La primera de ellas se centra en el desarrollo de la trama y en la presentación de los personajes principales. Supone una narración calmada, con escenas de humor protagonizadas por los agentes de policía Hernández y Fernández junto al anciano y habilidoso carterista. Asimismo, se despliegan las suspicacias y el ingenio de Tintín (Jamie Bell) y su fiel compañero Milú tras el sospechoso interés de dos hombres que han tratado de convencerle para que se deshaga de la maqueta de un barco recién adquirida en el mercado de la ciudad.

La aventura toma forma hasta alcanzar su cénit en la segunda parte del film. Ésta supone una borrachera visual acompañada de una retahíla de escenas de una violenta exaltación de la acción. No hay tregua para el espectador, quien, incluso, puede tener dificultades para recoger toda la información que se le ofrece en la gran pantalla debido a la celeridad con la que se presentan los hechos.  Es aquí donde aventura, acción y humor convergen de una forma frenética.

Por otra parte, Tintín y Milú son los protagonistas indiscutibles de la primera parte del largometraje, no así en la segunda. El capitán Haddock (Andy Serkis) toma el relevo del interés del espectador con su comportamiento irreverente e incorregible y por su adicción al alcohol que, no en pocos momentos, adquiere una importancia excesiva hasta convertirse, incluso, en la solución a los obstáculos que se encuentran para resolver el Secreto del Unicornio. Pero más allá de su vicio y su difícil personalidad, su aportación a la trama resulta fundamental, convirtiéndose así en el eje de la aventura. Muestra de ello es el flashback de la lucha entre Francisco Haddock y el antecesor del malo de la película, Sakharine (Daniel Craig).

Desde el punto de vista visual, la animación ideada por Steven Spielberg (productor y director) y Peter Jackson (productor) es, a mi entender, muy acertada. Si bien es cierto que en ciertas ocasiones los movimientos de los personajes resultan poco naturales y sus expresiones algo forzadas, el detalle del ambiente y de los personajes así como el resultado final de la animación son más que buenos.

Steven Spielberg, por su parte, se ha encargado de dejar su huella en el film. El guiño a su mítica película Tiburón representado por el tupé de Tintín es un claro ejemplo de ello. También ha tratado de ganarse a los fans del cómic de Hergé con un retrato de Tintín, al cual dibujan al inicio de la película en el mercado de la ciudad.

Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio es una película recomendable para todos los públicos. Es entretenida, divertida y visualmente muy atractiva. Los fans de Tintín, quizás, deberían pensárselo dos veces antes de adentrarse en la superproducción de Spielberg y Jackson o ser condescendientes y aceptar que toda adaptación cinematográfica tiene sus riesgos y diferencias notables respecto a la pieza original.

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  11/11/20110